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Dans " L'Illusion comique ", en 1636, Corneille met en scène Pridamant, un père à la recherche de son fils, Clindor. Il assiste, grâce au magicien Alcandre, à la représentation des aventures mouvementées de cet enfant prodigue... À chaque acte, on change de registre. Péripéties sentimentales, rebondissements comiques, fin tragique ? Non, tout cela n'était que du théâtre ! Alors, vive le jeu et que le spectacle continue...

A son retour de Paris, Lioubov Andreevna doit se rendre à l'évidence et, " ne serait-ce qu'une fois dans sa vie, regarder la vérité en face ". Il lui faut vendre son domaine et, avec lui, la cerisaie qui en fait le raffinement et la beauté. La Cerisaie offre un tableau de l'aristocratie russe de la fin du XIXe siècle, vieillissante et inadaptée au monde moderne des marchands. Avec son écriture légère, son style enlevé - dont la nouvelle traduction d'André Markowicz et Françoise Morvan rend toute la saveur et le naturel -, c'est à la fois une partition théâtrale et une petite musique bouffonne, tragique, qu'a composées Tchekhov. Par cette œuvre incisive, Lopakhine le parvenu, Trofimov l'éternel étudiant sont devenus de véritables types de la littérature russe et du théâtre européen.

La femme du boulanger s'est enfuie avec un berger. Le boulanger se saoule et ne fait plus de pain. Tous les habitants du village - y compris les ennemis légendaires, l'instituteur et le curé - s'unissent pour retrouver la femme du boulanger. Le marquis prend la direction des opérations... Ultime adaptation de Giono par Pagnol (ici un passage de Jean le Bleu), La Femme du boulanger (1938), partition musicale pour Raimu et orchestre, est sans doute l'œuvre la plus célèbre du cinéaste. Chaque scène a acquis le statut de classique, et c'est après avoir vu et revu ce film, un de ses préférés, qu'Orson Welles a demandé - trop tard - à rencontrer Raimu, qu'il jugeait le plus grand acteur du monde. " Je l'ai vu ce matin, sur sa figure, brusquement elle m'aime d'amour. Et tu ne sais pas ce qu'elle m'a dit ? Elle m'a dit : "Si tu es un homme, trouve-toi derrière l'église à cinq heures, avec un cheval : tu m'emporteras où tu voudras. "Elle quitte son mari, sa boulangerie, ses sous, son pain. Elle veut tout perdre pour moi. À cinq heures derrière l'église... "

Cette ferme, ces terrains incultes, et ce ruisseau du premier jour, est-ce que vous ne pourriez pas en faire quelque chose ? Je ne peux pas dire que vous fassiez le paysan, avec un râteau et une pioche.... Mais il y a des outils modernes, des tracteurs, des moissonneuses.... Vous êtes savant, vous pourriez apprendre... Il me semble que je serai heureuse dans une ferme qui serait à nous, sur une terre qui nous ferait vivre... Je saurais faire la vaisselle et la lessive - et chaque jour, au soleil couchant, j'irai jusqu'au bout du chemin, pour attendre le retour de mon homme, qui revient de sa terre avec ses laboureurs... Mais ça, ce sont peut-être des idées de la fille du puisatier.

Le Bagne est la queue de comète carcérale de Genet : de 1942, où il ébaucha Haute Surveillance, à 1964, où il abandonna la rédaction du Bagne, Gent n'a cessé d'ériger l'enfermement en idéal d'une vie essentialisée, car proche de la mort. Cayenne est pour lui le nouvel Eden, paradis perdu auquel seul le crime permet d'ajouter un éclair de totale réalisation de soi avant que le couteau de la guillotine n'en vienne sanctifier la perte. A ce jeu de qui perd gagne jouent les forçats Rocky, Ferrand et Fornalo : d'abord rivaux, ils finiront par reconnaître qu'ils sont à égalité de haine et de pouvoir pour tromper et ridiculiser les maîtres du bagne. Dans ce lieu clos s'anime, traitée avec humour et sarcasme, une société d'exclus -bagnards aussi bien que gardiens- malfaisants et retors, tout ensemble lucides et aliénés par leurs rêves. Le Bagne met un point d'orgue en même temps que de suspension à l'œuvre théâtrale de Genet.

Figaro, le gai, l'impertinent, le truculent Figaro, le plus célèbre des personnages de Beaumarchais entreprend, aux côtés de son maître, le comte Almaviva, une mission impossible : enlever, à la barbe d'un vieux tuteur méfiant, Bartholo, la jeune Rosine dont le comte est amoureux. Situations cocasses, imbroglios inextricables, déclarations d'amour enflammées... Le Barbier de Séville n'est pas seulement la dernière des comédies d'intrigue : Beaumarchais, en " ramenant au théâtre l'ancienne et franche gaieté, en l'alliant avec le ton léger de la plaisanterie actuelle " élabore une dramaturgie moderne par la conception et la qualité des dialogues.

Monsieur Jourdain prétend sortir de sa condition bourgeoise en singeant les manières d'un noble. Mais, avec une naïveté qui n'a d'égale que sa prétention, il se laisse duper par l'apparence d'un hôte qu'on lui présente comme le fils du Grand Turc et auquel il destine sa fille.Une comédie-ballet pleine d'entrain et la satire jubilatoire d'une bourgeoise qui rêve de noblesse.L'éditon Classiques & Cie collègeSoigneusement annoté, le texte de la pièce est associé à un dossier illustré, qui comprend :- un guide de lecture (avec des repères, un parcours de l'oeuvre et un groupement de documents "De la figure de la précieuse à celle du snob"),- une enquête documentaire : "Turcs et turqueries à l'époque de Molière".

Rodrigue et Chimène sont sur le point de se marier mais une grave querelle oppose leurs pères : à la suite d'une rivalité, le Comte, père de Chimène, gifle don Diègue, père de Rodrigue. L'affront ne peut être réparé que par la mort du Comte, mais don Diègue, trop vieux, remet son épée à Rodrigue pour venger son honneur. Rodrigue doit alors faire face à un douloureux dilemme : perdre Chimène ou son honneur. Que fera Rodrigue ?

Il faut lire Le Cid dans sa première version, celle de 1637, qui explose comme un coup de tonnerre, avec la fougue de la jeunesse, le flamboiement du sang, les trompettes de la victoire. On s'aime, on se déchire, on libère sa patrie en quelques heures parmi les plus intenses de notre théâtre. Drame du conflit entre les sentiments passionnés et les dures contraintes du devoir moral et politique, la pièce offre une liberté de ton et une audace formelle que Corneille, pour se conformer aux codes d'une dramaturgie classique en train de se mettre en place, s'attachera par la suite à atténuer, mais dont le texte original, que cette édition restitue, conserve l'éclat.

De la rencontre à la rupture, Jean Legeay dresse un portrait savoureux du couple d'aujourd'hui et de demain. Un sanglier qui cherche sa biche, un mari cocu par accident, un problème insoluble de signes astrologiques, ou encore une boîte de petits pois bien louche : autant de situations plus ou moins loufoques que l'on traverse avec régal. D'une plume fi ne et subtile l'auteur compose une galerie de personnages hauts en couleur, drôles et attachants. Jean Legeay forge avec une grande intelligence et non sans humour des caractères taillés pour la scène.

Rassemblés dans ce recueil, sept " diablogues " choisis pour la variété des situations qu'ils proposent : " Le tilbury ", " les voisins ", " l'itinéraire ", " nostalgie ", " le ping-pong ", " le malaise de Georges ", " Au restaurant ", " dialogue sur un palier " (le gobe-douille). Situations à l'origine simples, peu à peu transformées par cet extraordinaire mélange d'inventivité poétique et dramatique qui fait l'immense succès des sketches de Roland Dubillard.

La plus parfaite et la plus riche des comédies de Marivaux, où l'on trouve ses principaux thèmes.Deux fiancés, qui ne se connaissent pas encore, échangent leur rôle avec leurs domestiques. Ils se retrouvent et s'aiment malgré le changement de condition sociale. L'art exquis de la construction, toute en symétries et en quiproquos, le sourire au bord de la cruauté, le triomphe de l'amour, c'est le théâtre français dans toute sa grâce.

Toinette. Vous avez là aussi un œil que je me ferais crever, si j'étais en votre place. Argan. Crever un œil ? Toinette. Ne voyez-vous pas qu'il incommode l'autre et lui dérobe sa nourriture ? Croyez-moi, faites-vous-le crever au plus tôt, vous en verrez plus clair de l'œil gauche. Arga. Cela n'est pas pressé. Toinette. Adieu. Je suis fâché de vous quitter si tôt, mais il faut que je me trouve à une grande consultation qui se doit faire pour un homme qui mourut hier.

Rêvant de faire fortune et d'aller vivre au soleil, Martha et sa mère assassinent pour les dépouiller les clients de leur auberge. Le frère de Martha, parti depuis vingt ans et revenu incognito, sera leur dernière victime : quand elles découvrent qui elles ont tué, les deux femmes se suicident. D'un malentendu, Camus a fait le sujet d'une " tragédie moderne ". Le malheur y vient moins de l'aveuglement, propre aux tragiques grecs, que d'une éperdue volonté de bonheur soutenue par une énergie capable d'aller au crime. Déjà mise au jour par Le Mythe de Sisyphe, l'absurdité de la condition humaine donne au Malentendu d'étranges résonances, moins proches des tragédies d'Eschyle, parfois, que du théâtre d'Ionesco.

Avec Le Malentendu et Caligula, Albert Camus fait appel à la technique du théâtre pour préciser une pensée dont L'Etranger et Le Mythe de Sisyphe - sous les aspects du roman et de l'essai - avaient marqué les points de départ. Est-ce à dire que l'on doive considérer le théâtre d'Albert Camus comme un "théâtre philosophique" ? Non - si l'on veut continuer à désigner ainsi cette forme périmée de l'art dramatique où l'action s'alanguissait sous le poids des théories. Rien n'est moins "pièce à thèse" que Le Malentendu, qui, se plaçant seulement sur le plan tragique, répugne à toute théorie. Rien n'est plus "dramatique" que Caligula, qui semble n'emprunter ses prestiges qu'à l'histoire. Mais la pensée est en même temps action et, à cet égard, ces pièces forment un théâtre de l'impossible. Grâce à une situation (Le Malentendu) ou un personnage (Caligula) impossible, elles tentent de donner vie aux conflits apparemment insolubles que toute pensée active doit d'abord traverser avant de parvenir aux seules solutions valables. Ce théâtre laisse entendre par exemple que chacun porte en lui une part d'illusions et de malentendu qui est destinée à être tuée. Simplement, ce sacrifice libère peut-être une autre part de l'individu, la meilleure, qui est celle de la révolte et de la liberté. Mais de quelle liberté s'agit-il ? Caligula, obsédé d'impossible, tente d'exercer une certaine liberté dont il est dit simplement pour finir "qu'elle n'est pas la bonne". C'est pourquoi l'univers se dépeuple autour de lui et la scène se vide jusqu'à ce qu'il meure lui-même. On ne peut pas être libre contre les autres hommes. Mais comment peut-on être libre ? Cela n'est pas encore dit.

Seize personnages, quatre-vingt-douze scènes, mille six cents répliques, une profusion de décors et de costumes... Pas de doute, Le Mariage de Figaro est bien la superproduction du XVIIIe siècle ! Si l'on ajoute à cela une bataille de cinq ans pour faire jouer la pièce et un auteur à la réputation scandaleuse, on comprend mieux le retentissement qu'a eu cette œuvre jusqu'à nos jours. Et cependant, il y a tellement de meilleures raisons de lire Le Mariage de Figaro ! Beaumarchais y donne libre cours à son génie, entre jalousie, désir, bons mots et coups de théâtre. Et sous son agréable apparence de comédie divertissante, la pièce nous entraîne, à la veille de la Révolution française, dans une importante réflexion sur les inégalités sociales, le rôle des femmes et le droit de chacun au bonheur. Bref, voici une pièce légère et profonde, qui fait rimer amour et humour le mieux du monde.

Un homme tire un énorme paquet auquel il semble tenir plus que tout. Que renferme-t-il donc ? Le corps de sa femme qu'il aurait assassinée ? Les seuls biens qui lui restent ? Ses souvenirs, ses rêves, ses joies ? Les débris d'une vie ? Nos lâchetés, nos abandons, nos laideurs ? Tous nos maux et nos mots impuissants ? Lorsque le monde s'effondre, la question n'est pas de savoir ce que l'on sauve, mais ce dont on ne peut se débarrasser. Ecrite et mise en scène par Philippe Claudel, interprétée par Gérard Jugnot, Le paquet sera créée à partir de janvier 2010 au Petit Théâtre de Paris.

Parce que Sam est expulsé de l'école, il doit rester chez sa grand-mère. Pour se venger, il laisse échapper son perroquet. Mais l'oiseau en disparaissant emporte le reflet de l'enfant. En partant à leur recherche, Sam rencontre une bohémienne malicieuse, un vendeur d'animaux manipulateur et une danseuse de music-hall sans scrupules. La poursuite de son reflet entraînera Sam jusqu'à la salle des Pardons... où tout est possible. Le pire, comme le meilleur.

" Et Tartuffe ? " Molière, avec sa pièce deux fois interdite, fait résonner un rire dont les éclats criblent depuis trois siècles hypocrites et fanatiques, tous ceux - fourbes ou sots - qui transforment le sacré en instrument de violence. La comédie ne se contente plus d'être comique : sans cesser d'être une affaire de plaisir, elle devient ici, pour la première fois, une affaire d'Etat - et de conscience.